zerkalo.ws
Зеркало Мира  

Вернуться   Зеркало Мира > Обсудить > Наши кумиры
Наши кумиры Расскажи про своего кумира и поделись своей информацией с другими...
Опции темы Опции просмотра
Старый 28.03.2004, 08:14     # 1
JaP
Idol Mod
 
Аватар для JaP
 
Регистрация: 24.03.2004
Сообщения: 337

JaP Известность не заставит себя ждать
Лучшие гитаристы

Лучшие гитаристы ... они не просто мастера игры, таланты и виртуозы- это люди великой души, которые говорят с нами с помощью гитары. Надеюсь их любит и понимает любое поколение.
Бесспорно- они все мои Кумиры с большой буквы !


На сегодня о :

David Gilmour, Eric Clapton, Joe Satriani, Steve Vai, Yngwie Malmsteen, Eric Johnson,
John Petrucci, Ritchie Blackmore, Jimi Hendrix, B.B.King, Carlos Santana, Brian May,
Steve Ray Vaughn, Tom Morello, Al Di Meola, Виктор Зинчук, Jeff HEALEY, Kenny Wayne Shepherd,
Gary Moore, Mark Knopfler, Steve Morse, Jeff Beck, Buddy Guy, Lenny Kravitz,
George Benson, J.J.Cale, Jason Becker, Frank ZAPPA, Jimmy PAGE, Randy Rhoads, Bob Marley,
Peter Frampton, Сергей Воронов, GUITAR SLIM, Scott Henderson, Luther Allison.





to be continued...
JaP вне форума  
Старый 28.03.2004, 23:50     # 2
phill
Пользователь
 
Аватар для phill
 
Регистрация: 04.03.2004
Сообщения: 97

phill Путь к славе только начался
David Gilmour "Pink Floyd"


"Высокое искусство Роджера - это известный метод показаться большим, а других представить малыми. Всегда, когда я приходил с текстами, он морщил лицо, а когда я делал музыкальные предложения, он спускал их на тормозах. Тому, что он все взвалил на себя, есть в принципе лишь одно объяснение: мы были слишком инертными, чтобы защититься от его честолюбия " . Это мнение Давида Гилмора лишь упрочилось с десятилетием работы в ПИНК ФЛОЙД без Уотерса. В самом деле, когда ушел Сид, никто не подумал все бросить и разойтись; и, с уходом Райта в 79-м, развала фактически не было; так почему же с уходом басиста Дэвид должен закончить карьеру в ансамбле, которому отдал к тому времени двадцать лет? Это инертность весьма относительна, кажется, всю жизнь он не выпускает из рук свой Fender с серийным номером 001 David Jon Gilmour.

И он в 46-м стал уроженцем Кембриджа, но на два месяца позже Барретта; вырос в семье профессора генетики Дуга Гилмора (Doug Gilmour); мать Дэйва Сильвия (Sylvia) тоже была одно время учительницей, а позднее стала вдруг редактором кино. Отец счел, что достигнет большего, если уедет в Америку - происходила "утечка мозгов": "Роджер потерял отца на войне, а я потерял своего в Гринвич Виллидже" ,- сравнивал школьный друг Уотерса. О том времени, когда Дэйв и Сид были направлены из High School в кембриджский College Of Art And Technology, сохранилось воспоминание, как первый попал на отделение управления, где изучал современные языки, а второй - на отделение искусства, где занялся рисованием.

Там же пришел интерес к такой музыке, которую можно исполнять на гармониках и гитарах. Когда THE ROLLING STONES пришли к популярности, Дэвид уже играл в первой рок-группе NEWCOMERS. Эта практика и позволяла ему наставлять Сида Барретта: "Факты же таковы, что я использовал echo box за годы до Сида. Я также использовал slide. Я также научил Сида многому в гитаре. Имею в виду, что люди говорят, будто я перенял его стиль, когда мы были на одном уровне... Мы провели много времени вместе, когда еще были подростками, слушая одну и ту же музыку. Влияния мы испытывали примерно те же самые - но я бьт на пару ступеней впереди него в это время и учил его играть риффы СТОУНЗ на каждой перемене в течение года, проведенного нами в техническом колледже..." . Сид отправился в Лондон, а Дэвид вместе с ударником из группы THE MOTTOES вошел уже в группу THE RAMBLERS, которую и переделали в JOKERS WILD. Тогда Гилмор переселился из родного дома в центр Кембриджа, чтобы испытать независимость и спокойно играть "In The Midnight Hour" Уилсона Пикетта - свой коронный номер. Тогда уже Дэйв проявил весьма мощный талант и завидную интуицию в роке, по впечатлениям Клива Уэлхема.

В 1964-65 годах JOKERS WILD играли номера групп THE ANIMALS и Зута Мани (Zoot Money). В одном из клубов Гилмор даже попался на глаза Брайану Эпстейну, менеджеру THE BEATLES. Это не удивительно, Гилмор по внешности был куда привлекательней, чем нужно было для рокера, и даже успел подработать моделью. На самом деле, модель поведения для него была задана ритм-энд-блюзменами. Вот первые вещи, которые Дэйв исполнял вместе со своей группой: "Beautiful Delilah" (Ч.Берри), "Why Do Fools Fall In Love" (Lymon), услышанные через призму THE KINKS и BEACH BOYS; сюда же попали "Don't You Ask Me" от Манфреда Мэнна (Manfred Mann) и два вечных мотива от группы FOUR SEASONS -"Sherry" и "Big Girls Don't Cry". Молодой продюсер Джонатан Кинг (Jonathan King) пригласил ДЖОКЕРОВ в студию компании Decca даже раньше, чем Эндрю Кинг (Andrew King) только узнал о ПИНК ФЛОЙД САУНД. Со своим Кингом квинтет Дэйва выпустил односторонний диск с четырьмя номерами (тиражом 50 экземпляров). Во всяком случае, в активе у них уже были "You Don't Know What I Know" и "Everyone's Gone To The Moon". Весьма пророческие, судя по названиям, вещи в отношении дальнейшей судьбы гитариста ПИНК ФЛОЙД. Роджер Уотерс пригласил Джонатана в свою группу для подмены на концертах Барретта, и еще несколько месяцев ФЛОЙД состоял из пяти очень близких друзей. Они признавали и то, что вполне могли проживать вместе. В плане ансамбля, совместной игры, разработки идей в середине 60-х им не было равных. Одно время JOKERS WILD и PINK FLOYD SOUND выступали один за другим в клубе Countdown. В один памятный вечер Сид Барретт и Дэйв Гилмор выступили дуэтом - и акустически, и с усилительным рок-н-роллом, который вызывал желание танцевать. Через пять лет, когда Барретт уже был вне ПИНК ФЛОЙД, Дэвид почти так же выступил с ним на басу - в лондонском зале Olympia. На рок-Олимп, как Сид - "божественный свет", Дэйв в своей "джокерской" группе вообще не попал: даже в кембриджской субкультуре никто не глядел на WILD теми глазами, какими обычно глядели на ПИНК ФЛОЙД САУНД, ибо эти друзья не были столь необузданными в своей фантазии и авангардными по направлению. Сид и Роджер интересовались mixed media, киномузыкой, тембро-линамикой нового сорта, средствами психоделии. Начало этой эстетической перспективы Дэйв практически пропустил. Когда же он принял участие в написании музыки ФЛОЙД - а впервые это было в сюите "A Saucerful Of Secrets", - дело состояло в том, чтобы навести эмоциональный порядок в звуковом и умозрительном хаосе разных идей.

Утеря ведущей роли функциональной гармонии; выступление на первый план "фонового тема-тизма", а вследствие этого распад единства между гармонией, мелодией и ритмом; отказ от мягкой, ласкающей слух гармонии, построенной на трезвучиях; отсутствие европейской темперации; тяготение к атональности и политональности, к "кластерам", сложным ритмам, пренебрегающим упорядоченностью и единообразием классических периодических систем и т.д. и т.п. Все это проявление новых черт в психологии XX века . И без особой теории ясно, что только ПИНК ФЛОЙД в инструментальных пьесах удалось воплотить эти черты и, тем самым, стать ближе и для андеграунда, и для рафинированного "оверграунда". Средства Mixed media, применяемые для транспозиции визуального содержания в музыку, тоже требуют умения и оправдания. Более чем натянуто и неправдоподобно смешиваемые ингредиенты требуют толковых средств для их скрепления. Это может напомнить сюрреализм и формулу Макса Эрнста о "случайной встрече далеких реальностей", однако было бы ошибкой сводить ПИНК ФЛОЙД к подобным доктринам. Жизнь в водовороте электроники сформировала восприятие и объясняет этот синкретизм тем, что с рождения люди привыкли к бомбежке звуками, образами, свободно выхваченными из контекста, переболтанными, как каналы ТВ. Кривые зеркала, многоцветные пятна, яркие имиджи, все что угодно протекало в русле психоделии, давая возможность намыть золото архетипов из обычной жизни. Еще Боб Голдстейн (Bob Goldstein) в Саутгемптоне начал свои "Psychedelic Follies"; ПИНК ФЛОЙД перешел к более содержа тельной экспозиции хода вещей. Вот вам фоническое преобразование материала в целях усиления его выразительности, которое началось с изменения емкости звука при помощи соответственных методов записи и изменения локализации звучащего источника - "Азимут-координатор" стал неотъемлемой частью концертов ПИНК ФЛОЙД. Прием модификации субгармоник и формант путем вырезания целых полос обертонов, путем накладывания одной записи на другую, путем обратного движения ленты дал новые тембровые эффекты. Генерируемые электроакустическим путем звуки музыки доводились до ума с помощью наслоения, складывания, перемещения, растяжки, свертывания этих синусовых тонов.

Вышло даже так, что "транспозиция временных явлений шума на музыкальные структуры позволяет их внутреннему развитию протекать согласно музыкальным принципам, что облагораживает шумовой процесс" . Связь способов звукоизвлечения с выражаемым человеческим содержанием здесь прямая и непосредственная - ведь пение представляет собой естественный язык наших чувств и тесно связано с речью и первичным выражением эмоций. Мелодическая сторона позволила пению с предельной точностью моделировать перелив одних душевных состояний в другие - словом, без пения было не обойтись в той музыке, которую хотели бы делать Дэйв Гилмор, Роджер Уотерс, Ник Мейсон и Ричард Райт. Но еще Рихард Вагнер считал: в музыке, как бы непонятен был ее язык, если следовать законам логики, заложено что-то более убедительное, чем законы логики, понуждающие к ее пониманию. Пожалуй, только поэзия могла бы приблизить к тому пониманию, которого прогрессивный рок ждал не от "тысячных толп идиотов ", а "нескольких сотен думающих и неравнодушных "(слова Роджера в 69-м). Опять же Вагнер сказал, что "самым удачным произведением поэта мы должны бы считать то, которое в своем конечном завершении стало бы полностью музыкой"... Практически этой работе и посвятил свою жизнь гитарист, причем его многотактные аккорды возведены на поучительно высокий уровень, как и сам подход к мелодии и аранжировке, - покуда Уотерс не сделал из всего, что внес талант каждого из четырех, индивидуалистскую драму - в плане жанра и в деловом смысле. В период судебных разбирательств насчет "наследия" ПИНК ФЛОЙД было сказано множество лишнего; обидно, наверное, слышать, что ты шарлатан, да еще и никчемная личность (последние двадцать лет Уотерс только это и говорил Райту с Мейсоном), но, по признанию Дэвида, у него "против подобных высказываний иммунитет", Роджер не может сказать, что он не умеет писать песен, ведь он записал две сольные пластинки . Первым, что сыграл Гилмор, когда пришел в ПИНК ФЛОЙД, была партия для рекламного ролика к песне "Apples And Oranges" Барретта. Первой же собственной вещью был инструментал для фильма Б. Шредера "More" под названием "A Spanish Piece". В том же году авторская композиция "The Narrow Way" вошла в экспериментальный студийный альбом, для которого каждый представил свой собственный стилевой номер, без участия группы. Этих первых стихов Дэвид явно стеснялся, поэтому на сведении вокал был заглушен. То же самое было в следующем альбоме, Atom Heart Mother: одна из трех песен второй стороны полностью принадлежала Гилмору - "Fat Old Sun". Его же личной песней открывалась вторая сторона альбома Obscured By Clouds - "Childhood's End" (с названием рассказа Артура Кларка). В значительной мере влияние Дэвида в ПИНК ФЛОЙД почувствовалось в "Shine On You Crazy Diamond" - без него эта вещь не состоялась бы, как, впрочем, и "Comfortably Numb" с "Run Like Hell" из The Wall.

Почти весь главный набор композиций, которые Дэйв написал или пел в их классическом варианте, он исполнил во время большого турне с A Momentary Lapse Of Reason - "Another Lapse ", а также в позднейшем турне под названием "P*U*L*S*E". В двух "обезвоженных", Watersless альбомах ПИНК ФЛОЙД поставил целью возврат к романтизму, к истокам спокойной реки, феерии таинственности и поэтике "необычного рядом". В связи с первым из них возникли такие названия, как "Of Promises Broken", "Signs Of Life" и "Delusions Of Maturity", но в последний момент взяли строчку из песни Дэвида "One Slip" - "A momentary lapse of reason". В любом случае, решения теперь принимали двое, Дэвид Гилмор и Николаc Мейсон. Один засел в своей плавающей по Темзе студии вместе с продюсером Бобом Эзрином, а второй ради записи и производства альбома, а также большого турне, продал часть своей коллекции спортивных автомобилей. Машины для Мейсона не просто причуда зажиточного джентльмена, а кусок хлеба - его фирма Ten Tenth сдает эти машины, например "Феррари" выпуска 1962 года, в наем для съемок рекламы, причем сам владелец порою сидит за рулем. Гилмор тем временем сдал зачет на права управления двухмоторным самолетом, так что первая песня альбома, "Learning То Fly", вполне биографична. И еще для двух песен альбома стихи написал старый клиент Питера Дженнера - Энтони Мур (Anthony Moore), а член ROXY MUSIC Фил Манзанера (Phil Manzanera) прикинул с Гилмором целых три песни - но на альбоме осталась одна. В остальном безраздельным творцом стал сам Дэвид. Оформлением занялся друг детства Сторм Торджерсон; он просто визуально реализовал строку из песни "Yet Another Movie" - "The vision of an empty bed": вдоль реки заправлено около восьми сотен пустых кроватей, в намеке на всемирную больничную палату, постояльцы которой пропали без вести. Остался один.

Мотив Реки стал ведущим мотивом альбома - реки в маслянистое море, уносящей грязь и отбросы жизни, приносящей предчувствия и воспоминания. Сторм взялся за клипы: похожий внешне на Сида актер Лэнгли Идденс (Langley Iddens) нашел свое призвание и впечатлил мастеров метафизического рока так, что остался в образе нео-Пинка Флойда и в новой версии "Shine On", и в десятиминутном фильме с песней "High Hopes". Ричард Райт лишь сыграл свои партии как приглашенный. Зато через семь лет он начал писать, и в следующем альбоме группы выступил с музыкой "Wearing The Inside Out", a также еще четырех номеров. Для альбома The Division Bell много стихов написала новая жена Гилмора Полли Сэмсон (Polly Samson). С любимой блондинкой по имени Джинджер (Ginger) он развелся в конце прошлого десятилетия - "У меня четверо детей: три дочери [Sara, Clare, Alice] и сын [Matthew]. Чудные ребята. Очень люблю играть с ними - мне и самому до сих пор нравятся игрушки. Особенно мальчишеские... Мне симпатичны люди, которые создают музыку потому, что им это нравится. А вокруг масса таких, кто "делает " музыку, гоняясь за сиюминутным успехом, за деньгами и славой. Мне они не интересны. Пока что не видел повода испугаться: Господи Иисусе, эти люди выбьют нас! Нравится U-2, Стинг (Sting) - талантливейший музыкант, хотя что-то в нем смущает. Хороша Шадей (Sade) и в пении, и в движении, но я не вижу в ней ничего нового, оригинального. Я люблю работать с молодыми... Я много лет слушаю великих русских композиторов и думаю, что в их произведениях есть то, что может найти выражение и в рок- музыке" . Помолодевший Гилмор явно не желал услаждать ностальгию старыми песнями (хотя и этого он не избег, выпустив концертники Delicate Sound Of Thunder и P*U*L*S*E): в связи со сквозным мотивом Колокола Разделения проявилась даже лирическая концептуальность. Все песни касаются противоречия, либо разрыва эмоциональной связи сию минуту, либо ухода молодости за горизонт настоящего, либо исчезновения любви за гранью сна, злобы, невзгоды. Здесь поэзия грустна, но печаль, тоска, скорбь, сожаление почти нереальны, нездешни, изнаночны. Они не линейны, в любом случае, и планетарны. О новейшей Флойдовской поэтессе Сэмсон ничего не известно; говорят, она раньше писала в журналах. Тем большую таинственность приобретает альбом ее нового мужа с друзьями. Зато Ник Лэйрд-Клоуз (Nick Laird-Clowes), приложивший талант в "Poles Apart" и "Take It Back", известен по гилморовской DREAM ACADEMY (тем более "гилморовской", что в одной из ближайших групп АКАДЕМИИ СНА, - THE ACT, играл брат Дэйва по имени Марк Гилмор (Mark Gilmour)). О продюсерстве гитарист ФЛОЙД "не сказал бы, что изучил все, чтобы поставить большую "П", если вы понимаете, о чем речь... С множеством людей много лет я был во фрустрации в студии, когда точно не мог объяснить, что бы мне хотелось изменить у них " . Выбор артистов для продюсирования и вообще совместной записи говорит о вкусах Дэвида и о тех тенденциях в окружающей музыке, которые, по его мнению, стоило бы поддержать. Так группу UNICORN Гилмор встретил еще в 1973 году; то, что Кен Бэйкер (Ken Baker) имел в голове, и то, что слышал продюсер, было двумя большими разницами. Тем не менее, альбом Too Many Crooks нарисовал определенную картину в сознании слушателя. Также аудитория получила от UNICORN и Гилмора альбомы Blue Pine Trees и One More Tomorrow, а на сорокопятке "Slow Dancing" Дэвид был еще и звукоинженером. Позднее Кен Бэйкер вообще подарил Дэйву яркую песню, "There's No Way Out Of Here". Но главной победой Гилмора как продюсера была Кейт Буш (Kate Bush). От первых же демонстрашек певички гитарист ПИНК ФЛОЙД, по его же словам, остолбенел. На дебютном альбоме Кейт The Kick Inside обозначена признательность, "many thanks to Dave Gilmour for "rolling the ball" in the beginning" и помещена песня, посвященная исполнительному продюсеру и всем помощникам в ее карьере, "Them Heavy People". Как гитарист он сыграл в ее номере "Passing Through Air", подпел в "The Dreaming", "живьем" вместе сделали "Running Up That Hill", и спустя годы принял участие в "Love And The Anger" Кейт Буш. Без гитары его не остались ни группы (ARCADIA, ATOMIC ROOSTER, BERLIN, SUPERTRAMP и другие), ни мастера масштаба Пола Маккартни (без Дэвида не состоялась бы песня "No More Lonely Nights" в ее балладном варианте, также Гилмор вошел с супергруппу ROCKESTRA в альбоме Back To The Egg, и наконец, помог с номером "We Got Married" (LP Flowers In The Dirt); Брайан Фсрри (Bryan Ferry) (LPs Boys And Girls и Bete Noire), Пит Тауншенд (Pete Townshend) (LP White City и концерты его группы DEEP END), а также Рой Харпер (Roy Harper) (LP HQ). С последним они написали ряд песен: "Short And Sweet" появилась на сольном альбоме David Gilmour, а еще четыре, "Playing Games", "You". "Old Faces" и "True Story", на альбоме Харпера The Unknown Soldier. Певец в свое время был связан с Питером Дженнером, а Рик Уиллис (Rick Willis) и Уилли Уилсон (Willie Wilson) играли с Гилмором на заре хипповой эры в трио BULLIT, возникшего после распада JOKERS WILD и THE FLOWERS, до того, какДэйв ушел в ПИНК ФЛОЙД в 68-м. Ровно через десять лет пришло время для сольного выхода Дэвида из ПИНК ФЛОЙД, и втроем с Уиллисом и Уилсоном они записали его первый сольник. Эти песни написаны в простом ключе, без претензий на концептуальность и даже на лирику, близкую ПИНК ФЛОЙД. Просто очень хотелось сыграть и для Джинджер, которая скромно мелькает и на обороте, и на развороте обложки. В другом свете смотрится сольный сингл с "Blue Light" (Сторм Торджерсон снял свое первое видео по этой песне) в начале 84-го, когда конец ФЛОЙД, казалось, был не за горами и не за морями. Океан и последние войны возникли в другой песне сингла, "Cruise". И вообще политическая обстановка дала тему для "Out Of The Blue", a убийство Леннона - для "Murder". Извечная полемика Леннона с МакКартни и Ричардса с Джэггером явно небезразличны теперь абсолютно свободному автору, так что его Битва с Уотерсом отразилась в стихах "You Know I'm Right". Боб Эзрин исполнил роль сопродюсера такой готической вещи, как "Until We Sleep", а также псевдосимфонической и посткосмогонической - "Let's Get Metaphysical". С такими канцонами, как "Near The End", мы получили возврат на "самое дно банальной рок-текстовки" (Дженнер) и на фамильярную сторону эстетики ПИИ К ФЛОЙД. Зато Пит Тауншенд предложил Гилмору литературную помощь, которую Дэвид почтил: "Я послал ему мелодии, на которые он написал лирику и вернул обратно. Две вещи были использованы, а третью я отклонил, потому что эти стихи не совсем прилагались к моей жизни. Я отклонил ее в самом конце". Отклонена была песня "White City Fighting", но Дэвид сыграл ее на ближайшем альбоме Тауншенда (на тот же мотив написал отклоненный текст, под названием "Hope", и Рой Харпер), а в своем цикле из десяти песен About Face спел эти самые два стихотворения Пита, "Love On The Air" и "All Lovers Are Deranged". 0 любви и любовниках в старом ПИНК ФЛОЙД никто не писал в принципе. Изначально Ник Мейсон сказал: "мы не сексуальная группа и не прыгаем на сцене", хотя стали такой же достопримечательностью, как Музей Мадам Тюссо или Твигги.
phill вне форума  
Старый 29.03.2004, 05:57     # 3
JaP
Idol Mod
 
Аватар для JaP
 
Регистрация: 24.03.2004
Сообщения: 337

JaP Известность не заставит себя ждать
Eric Clapton



Богами не рождаются.
"Клэптон - это Бог", - гласили надписи на стенах Лондона и Нью-Йорка в 60-е годы. Многих поклонников музыканта тогда еще не было на свете. Но и 30 лет спустя от его выступлений захватывает дух, его пластинки покупают миллионы, а он продолжает свой нелегкий жизненный путь. По-другому не может.

Не такой, как все
Эрик Патрик Клэптон родился 30 марта 1945 года в доме своего деда в английском городке Рипли. Он был незаконнорожденным сыном 16-летней Патрисии Молли Клэптон и Эдварда Уолтера Фрайера, 24-летнего канадского солдата, служившего в Англии и вернувшегося к своей жене в Канаду еще до рождения Эрика. Тем временем Патрисия увлеклась другим канадцем, за которого и вышла замуж. Маленький Клэптон думал, что бабушка с дедушкой ыли его родителями, а мать - его сестрой. Правда открылась, когда мальчику было 9 лет. Потрясение было настолько сильным, что он провалил важные экзамены в школе, потерял интерес к учебе, стал унылым и холодным.
Когда в подростковом возрасте Клэптон увидел по телевидению выступление рок-н-ролльного музыканта Джерри Ли Льюиса, он уже понял, кем станет. В Эрике зажглась любовь к блюзу, научиться играть на гитаре было его самой заветной мечтой. Он поступил в художественный колледж Кингстона, но его начинающаяся карьера будущего дизайнера по витражному стеклу была приостановлена, потому что 17-летний талант играл на гитаре прямо в классе и пропускал занятия. Он начал работать строителем, а все свое свободное время уделял игре на любимой электрогитаре, которую он уговорил деда купить ему. Блюз но своему настроению очень подходил Клэптону, который считал себя аутсайдером и не таким, как все.

Гитарист номер один
Клэптон играл во многих британских блюзовых командах, включая The Roosters и Casey Jones. Он добился известности, став участником The Yardbirds, группы, в которую вошли и двое других самых известных британских гитаристов 60-х - Джимми Пейдж и Джефф Бек. The Yardbirds со своим блюзо-роковым звучанием стала сенсацией, а Клэнтона иначе как виртуозным гитаристом никто и не называл. За свою манеру игры он даже получил прозвище Slowhand ("Медленная рука""): его мощные удары часто рвали струны, которые он заменял прямо на сцене, а публика в это время медленно, но настойчиво хлопала в ладоши. Несмотря на успех, в 1965 году Клэптон покинул группу: он считал, что команда взяла неправильное направление, променяв свое блюэовое начало на более коммерческую поп-музыку. Артист присоединился к команде Blucsbreakers. Но и здесь он задержался ненадолго.
Эрик создает свои собственный проект Cream. Он, по его собственным словам, "хотел начать революцию в музыкальной мысли... Изменить мир, расстроить и шокировать людей". Сream быстро добился статуса популярнейшего рок-трио конца 60-х, приблизившись к международному уровню The Rolling Stones и The Beatles. В глазах поклонников Клэптон стал еще более "всемогущим", тогда о нем заговорили как о гитаристе номер один в рок-музыке. Cream был этаким "трехголовым" чудовищем непримиримых героев. Но их внутренние отношения, обостренные пристрастием к наркотикам, довели группу до развала.

Возвращение к жизни
Затем Клэптон "прошелся" еще по нескольким коллективам и в 1970 году выпустил свои первый сольный альбом. Тогда же была написана популярнейшая и по сей день его песня Layla о безответной любви, на которую музыканта вдохновил любовный треугольник между ним, его близким другом Джорджем Харрисоном и женой Харрисона Патти. (В конце концов Клэптон женился на ней в 1979 году, а спустя 9 лет они развелись.)
Коммерческий провал альбома Layla и проблемы в личной жизни привели гитариста к героину. В начале 70-х Клэптона не было видно. По совету участника группы The Who Пита Тоунсхенда Эрик прошел сложную, но эффективную электроакупунктурную реабилитацию. Он вылечился. В 74-м Клэптон вернулся на сцену в новом стиле и с новым звучанием, записал теперь уже классический реггей-альбом 461 Ocean Boulevard. Некоторые критики и поклонники Клэптона оказались разочарованными его послереабилитационными музыкальными творениями. Они посчитали, что Эрик изменил своему тяжелому гитарному стилю и занялся более сдержанным творчеством с упором на вокал.

Удары судьбы
Теперь место героина в его жизни занял алкоголь. В 81-м году Клэптон был госпитализирован: у него открылась язва, вызванная болеутоляющими и немыслимым количеством бренди. Вскоре он вступил в фонд Hazelden Foundation - реабилитационный центр для алкоголиков. Музыкант, конечно, мог сорваться вновь, но с 1987 года, став членом организации Alcoholics Anonymous ("Анонимные алкоголики"), он абсолютно трезв. После этого музыкант вновь испытывает творческий подъем, выпускает ряд отличных альбомов. Несмотря на бытующее мнение, что Клэптон никогда больше не достигал высот, подвластных ему в "годы героина", его легендарность только набирала обороты.
Очередной удар судьбы он испытал летом 1990 года, когда в вертолетной катастрофе погибли трое его близких друзей - музыкантов. Но и это еще не все. В марте 1991 года умер его 5-летний сын Коннор: мальчик упал с 49-го этажа из квартиры своей матери, итальянской модели Лори дель Санто на Манхэттене. Свою боль музыкант выразил в песне Tears In Heaven. За эту композицию и альбом Unplugged в 92-м году он получил сразу шесть наград Grammy. В память о сыне Клэптон пообещал, что никогда больше не вернется к наркотикам и алкоголю.

Слава навечно
Два года назад Эрик объявил об открытии реабилитационного центра Crossroads Centre на Антигуа, где самые бедные жители Карибских островов могут получить бесплатную помощь. С тех пор музыкант дает благотворительные концерты, все доходы от которых идут на развитие этого центра. Летом прошлого года на аукционе Christie's в Нью-Йорке было продано 100 гитар великого Клэптона, включая Brownie, на которой он записывал песню Layla. Доходы составили 5 млн. USD, средства пошли на нужды фонда.
2000 год Клэптон встречал в компании друзей по организации "Анонимные алкоголики", дал специальные концерты. Все прошло, естественно, без алкоголя. А его поклонники тем временем могут наслаждаться последними творениями кумира - альбомом Pilgrim и новым сборником всех хитов Clapton Chronicles: The Best Of Eric Clapton. Совсем скоро музыкант обещает записать и новую пластинку вместе с легендарным Би-Би Кингом. Значительность Клэптона для мира современной музыки подтверждает и тот факт, что он станет первым артистом, чье имя внесено в Зал славы рок-н-ролла три раза (как участника The Yardbirds и Cream, а теперь и как соло-музыканта). Жизнь продолжается.
JaP вне форума  
Старый 29.03.2004, 22:02     # 4
JaP
Idol Mod
 
Аватар для JaP
 
Регистрация: 24.03.2004
Сообщения: 337

JaP Известность не заставит себя ждать
Joe Satriani



Джо Сатриани – один из самых популярных и уважаемых гитаристов 80-90-х, неоднократный номинант Grammy, высокотехничный исполнитель, смелый экспериментатор в области гитарного звучания, автор музыки, педагог. Джо Сатриани родился 15 июля 1956 в Нью-Йорке. Поначалу Джо интересовался ударными, но, вдохновленный гением Джими Хендрикса, в 14 лет переключился на гитару. Быстро освоив инструмент, Джо начал учительствовать сам - одним из его первых учеников стал Стив Вэй, впоследствии прославленный гитарист. В конце 70-х Сатриани переехал в Беркли, где продолжил преподавательскую деятельность, наставив на путь истинный таких будущих рок-виртуозов, как Кирк Хэмметт (Metallica), Ларри ЛаЛонде (Primus), Дэйвид Брайсон (Counting Crows), джазовый гитарист Чарли Хантер и др.

В начале 80-х Сатриани начал выступать с поп-музыкантом Грегом Кином, работал как сессионный гитарист и гастролировал с различными группами. В 1984 году вышел первый сольный EP "Joe Satriani", записанный им полностью самостоятельно и выпущенный на независимом лейбле. Так бы и остался Сатриани в безвестности, если бы его бывший ученик, а в 1985 году уже гитарист группы Дэвида Ли Рота не начал расхваливать своего экс-учителя во всевозможных гитарных журналах, спровоцировав, таким образом, повсеместный интерес к Джо. Поэтому, когда Сатч выпустил свой первый полномасштабный альбом “Not of this Earth”, внимание гитарного сообщества к нему было обеспечено. Но лучшее было еще впереди – после выхода второго диска “Surfing With the Alien” (1987) Сатриани проснулся знаменитым, а фотографии его украсили все гитарные журналы. Сам Мик Джеггер пригласил его в тур по Австралии и Японии.

EP Dreaming #11 комбинировал “живые” и студийные треки, а через год, в 1989, Сатриани выпустил свой третий альбом “Flying in a Blue Dream”, в нескольких треках которого он дебютировал как вокалист. Новый толчок его карьера получила после того, как песня “One Big Rush” была использована в качестве саундтрека к фильму Кэмерона Кроу “Say Anything”.

90-е начались для Сатриани с выпуска именной линии гитар на фирме Ibanez (модель Joe Satriani), поэтому следующего сольника “The Extremist” пришлось ждать до 1992 года. Двойной бокс-сет “Time Machine” (собрание новых треков, “живых” записей плюс переиздание EP 1984 года) вышел на следующий год, а в 1994-м Джо заполнил брешь, образованную уходом Ричи Блэкмора, в туре Deep Purple. Однако приглашение присоединиться к монстрам хард-рока Сатриани отверг и вернулся к сольной карьере.

Во второй половине 90-х Джо выпустил еще два сольника – альбом имени себя (1995) и “Crystal Planet” (1998), а в 1996 начал совместный тур “G3” со своими товарищами Стивом Вэем и Эриком Джонсоном, материалы которого были изданы на диске под названием “G3: Live in Concert” годом позже. В последующие годы Сатриани продолжил начинание: в его гитарных турах приняли участие многие знаменитости, включая Брайана Мэя, Роберта Фриппа и Кенни Уэйна Шеперда. В 2000-м Джо решился на радикальные электронные эксперименты в альбоме “Engines of Creation”. Годом спустя увидел свет еще один концертный альбом “Live in San Francisco”. Новый студийный диск “Strange Beautiful Music”, ознаменовавший возвращение к более традиционной стилистике, вышел в 2002 году. В дополнение к сольным работам, Сатриани участвовал в записях других исполнителей, таких, как Blue Oyster Cult's (“Imaginos”), Элис Купер (“Hey Stoopid”), Стюарт Хэмм (“Radio Free Albemuth”), Пэт Мартино (“All Sides Now”), Spinal Tap (“Break Like the Wind”).
JaP вне форума  
Старый 29.03.2004, 22:06     # 5
russ
ВЕЛИКИЙ и ужасный СтарПёр
 
Аватар для russ
 
Регистрация: 08.08.2003
Сообщения: 2 601

russ Нимб уже пробиваетсяruss Нимб уже пробиваетсяruss Нимб уже пробивается
Супер! Продолжайте!
интересно!
russ вне форума  
Старый 29.03.2004, 23:13     # 6
JaP
Idol Mod
 
Аватар для JaP
 
Регистрация: 24.03.2004
Сообщения: 337

JaP Известность не заставит себя ждать
Steve Vai




Термин "виртуоз" существовал еще задолго до того, как музыку начали называть "усердной" и еще до того, как ее стали записывать. Изначально этот термин был относим только к наиболее блистательным классическим музыкантам, как, например, Paganini и Stravinsky. Позже этот термин переняли джазовые музыканты вроде Miles Davis и John Coltrane. До сих пор этот термин брали очень близко к сердцу музыканты различных музыкальных школ и музыканты самоучки, принимая это звание с честью, как величайшую награду за умение. В мире рок музыки, которая насчитывает в своей истории не более 50 лет жизни, виртуозы были очень редки. Возможно, можно назвать Jimi Hendrix первым. Он в свою очередь вымостил путь для Edward Van Halen и Michael Hedges. Это музыканты, музыкальное восприятие и вольная экспрессия коих были на высоком уровне, при помощи своих инструментов заставили обратить на себя внимание, изменив тем самым наше понимание музыки.

Steve Vai не стал исключением в этом плане. Он один из немногих, кого можно назвать виртуозом того времени, когда жили и творили наиболее удивительные музыканты. С профессиональной музыкальной карьерой, которая ошеломила многих своей разнообразностью и богатой историей, Vai является уникальным и интересным персонажем, который отказывается останавливаться и замыкать себя стилевыми стереотипами. Тем самым он растет и по сей день. Потому что как и все виртуозы он не знает, что может его остановить.


В самом начале

Steven Siro Vai родился шестого июня 1960 года в Nassau County Hospital города New York. Он стал четвертым из пяти детей, родившихся у John и Theresa Vai. Растя в Carle Place (Long Island, NY) и воспитываясь под влиянием любви своей сестры к музыке, Steve уже в шесть лет начал играть на органе (первую мелодию, которую он сыграл была тема из кинофильма Bette Davis "Hush Hush Sweet Charlotte"), а в возрасте десяти лет стал играть на аккордеоне. "Я никогда не вникал в музыку - я и так всегда был в ней", - отвечает Steve, подробно рассказывая о "Yogi Bear & Friends", "The Partridge Family Picture Album", Frank Zappa "Freak Out!" и альбоме Deep Purple "Machinehead", который был наиболее важен для него в том возрасте. И в тринадцать лет Steve впервые взял в руки гитару, чем не может успокоить себя до сих пор.

Желание играть как Jimmy Page, но непонятность того, как этого добиться заставило его пойти к местному гитарному герою Joe Satriani. Satriani был также молод - всего на четыре года старше Steve. Но он уже имел репутацию великого гитариста среди местных. И Vai стал брать у него уроки по $5 за одно занятие. В самом начале Steve и его друг брали один урок на двоих, тем самым каждый платил по половине от суммы. Steve продолжал брать уроки у Joe еще три года, что несомненно сильно повлияло на него в середине 70'х. Steve играл с несколькими группами в эти года, включая исполнение в Carle Place High School и выступления с его группами Circus и Rayge. Он даже сам преподавал некоторое время. В 1978 году Steve Vai уезжает из Long Island в бостонский музыкальный университет имени Беркли, где он прошел долгий путь, выступая с группами Morning Thunder с Randy Coven и Axis Bold As Love с Stu Hamm. Там же он познакомился со своей будущей женой Pia Maiocco и записал демо для некого Mr. Frank Zappa.

Это демо включало в себя запись темы Zappa "The Black Page No. 1" - ужасно сложная тема из его творчества, но записанная в два раза быстрее. Талант Vai к подбиранию и записыванию песен всегда поражал Frank, что и подвигло Zappa пригласить Steve к себе в группу. На следующий год Steve переехал в Los Angeles и в возрасте девятнадцати лет стал самым молодым музыкантом, который когда-либо выступал с Frank Zappa.

Steve выступал и записывался с Zappa c 1980 по 1983 год включительно, получив колоссальный опыт. В октябре 1981 года шоу Zappa "Halloween" в Palladium города New York стало первым музыкальным видео, которое было записано вживую. В 1982 году группа Frank Zappa стала первой, которая выступила в Sicily. Они, впрочем, стали и последними.

Покинув группу Frank Zappa, Steve вскоре записал два своих первых сольных альбома "Flex-Able" и "Flex-Able Leftovers". Эти записи были выпущены в супер скромном размере в тысячу копий. Обе эти пластинки стали базой для дальнейшего развития его творчества. Первая была издана с тремя различными обложками, а вторая с двумя обложками. Пока оба альбома получали популярность среди фанов Frank Zappa, Steve приобретал своих личных почитателей. Основным достижением Steve стала запись "The Attitude Song" с альбома "Flex-Able", которая выбросила его в гитарный мир музыки.

"The Attitude Song" была издана на семидюймовом диске в специальной рубрике журнала Guitar Player. И с того момента все стало по-другому для Steve Vai. Гитарное общество Los Angeles приняло в свои руки новенького парня. Немногим позже он сыграл роль в финальном эпизоде фильма "Crossroads", которая, несомненно, подходила его тогдашнему имиджу. Билеты в клубах города на выступления Steve расходились очень быстро, и вскоре Vai заменяет небезызвестного гитариста Yngwie Malmsteen в группе Alcatrazz. Steve записал все гитарные партии на альбоме 1985 года "Disturbing The Peace". Дальнейшие же выступления рождают видео на трек "Power Live". В 80'x Steve записал с группой еще несколько альбомов, которые нельзя не назвать успешными.

Вскоре после туров с Alcatrazz, Steve участвует с David Lee Roth в записи мультиплатинового альбома "Eat 'Em & Smile" (1986 год) на лейбле Warner Bros, тем самым начиная новую эпоху в своей карьере. Время еще никогда не было так благосклонно к Vai, так как альянс с Lee Roth позволил оказаться Steve в центре внимания. Музыкальные клипы "Yankee Rose" и "Going Crazy!" часто крутились по MTV и другим музыкальным каналам по всему миру. Фотографии Steve часто появлялись на обложках различных известных музыкальных журналов. Это также было время, когда Vai совместно с Ibanez создал и развил целую линейку своих именных гитар, именуемая Jem. Эти гитары стали невероятно популярны и продаются по всему миру до сих пор. Его партнерство с Lee Roth включает в себе еще один мультиплатиновый альбом "Skyscraper" и последующее мировое турне. До того, как Steve окончательно уходит их проекта в декабре 1988 года он успевает жениться на Pia, с которой был знаком уже долгое время, и начинает свою сольную карьеру.


На первом плане

Но время преподнесло Steve Vai новый сюрприз. Пока он готовился к записи своего долгожданного соло альбома, его успели пригласить в другую рок группу Whitesnake. Однако, Steve хотел полностью сконцентрироваться на личной сольной карьере, но это предложение было слишком заманчиво, чтобы его стоило пропускать. Steve вступил в группу: записал все гитарные партии на альбоме "Slip Of The Tongue" (основной гитарист не смог участвовать в записи из-за травмы), участвовал в мировом турне. И уже только после этого записал свой первый соло-альбом на лейбле Epic Records "Passion And Warfare".

"Passion And Warfare" считается многими лучшей работой Steve Vai и одним из величайших инструментальным гитарным альбомом всех времен. Созданный сразу же после записи с Whitesnake, но до тура с ней, этот альбом стал очень разноплановой и красочной работой. В записи альбома была использована семиструнная гитара, также созданная не без помощи компании Ibanez. На треки "The Audience Is Listening", "I Would Love To", и "For The Love Of God" с этого альбома были сняты клипы, которые полюбились не только фанам Steve, но даже музыкальным критикам. Альбом был номинирован на Grammy и получил бесчисленные награды от различных музыкальных журналов.

В продолжении этого периода, первого марта 1990 года, у Steve и Pia появился на свет первый ребенок, которого назвали Julian Angel Vai. Позже в 1991 году Steve принял участие в концерте "Zappa's Universe" в New York в честь Frank Zappa, которое принесло обоим награду Grammy за композицию "Sofa".

В 1991 году, после ухода из Whitesnake, Steve продюсировал группу Bad4Good во главе с молодым гитарным вундеркиндом Thomas McRocklin. Альбом "Refugee" этой группы был издан в 1992 году. Первого марта 1993 года у Steve и Pia появился второй ребенок, Fire Vai, родившийся в тот же день, что и его брат Julian, но на три года позже. Вскоре после этого Steve занялся своим новым экспериментальным проектом "Light Without Heat".

Название "Light Without Heat" в конечном счете было изменено на "VAI", составив тем самым в себе ансамбль со Steve Vai на гитаре, с вокалом Devin Townsend, TM Stevens на бас-гитаре и Terry Bozzio на ударных. В результате этого союза получился альбом "Sex & Religion", который буквально ошарашил всех. Когда все ждали что-то в стиле альбома "Passion And Warfare", Steve ушел в сторону от этого, чем всех и удивил. Это работа была жестока и необузданна. Она смешала в себе взрывную агрессию и прекрасное действие инструментала. Этот альбом стал называться "спящим", так как многие фаны долгое время не могли принять его, а другие называли его своим любимым. Затем последовало мировое турне, продлившееся с сентября 1993 года до конца января 1994.

1995 год стал для Vai еще более загруженным и сложным. Интенсивная работа и труд воплотились в новом альбоме "Fire Coma", над котором, впрочем, предстояло еще поработать. И чтобы его фанам не было скучно в этот период, он быстро записал и выпустил 34'х минутный альбом "Alien Love Secrets". Он получил очень хорошие отзывы, был номинирован на Grammy Award, и даже сам John Bon Jovi попросил Steve открыть с ним вместе его тур 1995 года по USA. В промежутке между туром и интервью Steve продолжал работать над проектом "Fire Coma", который в итоге вылился в альбом "Fire Garden", вышедший в 1996 году на лейбле Epic Records.

1996 год был также знаменателен для Vai. Steve участвовал с Chick Corea в записи CD "Songs Of West Side Story", что было несомненно для него воплощением мечты, так как помнит, как он слушал оригинальный диск, когда еще только начал заниматься музыкой. В том же году Steve выпустил свою именную Wah-Wah педаль, разработанную Morley. Самым большим подарком этого года стал релиз долгожданного альбома "Fire Garden" - 74'х минутная коллекция музыки, которая открыла в Steve хорошие вокальные данные. Далее он успевает побывать в "G3" турне с Joe Satriani и Eric Johnson. Выступления во время этого тура были записаны и в дальнейшем (1997 год) выпущены в виде видео и аудио альбома, который был номинирован на очередную награду Grammy.

В 1999 году Steve Vai выпускает свой очередной альбом, названный "Ultra Zone". В нем можно услышать характерное изменение звучания гитары и композиции в целом. Этот альбом продолжает развивать Steve как вокалиста. В этот период Steve организовывает свой собственный музыкальный лейбл под названием "Favored Nations". На оном уже успели записаться такие музыканты как Eric Johnson, Frank Gambale, Mattias "IA" Eklundh, Greg Koch, Billy Sheehan, и многие другие. В 2000 году выходит первый сборник песен с сольных альбомов Steve Vai, в которые вошли баллады, имеющие седьмые номера треков на тех самых альбомах, а также три новые работы Steve. Поэтому он так и называется - "The 7'th Song".

Во время мирового турне с альбомом "Ultra Zone" у Steve возникает идея записать концертный альбом, который был бы основан на национальных мелодиях тех стран, в которых он успел побывать. И после 104'х концертов, которые он провел в 32'х странах и прослушивания порядка 150'и альбомов этнической музыки, он записывает его - альбом, получивший название "Alive In An Ultra World". Он был выпущен в продажу в 2001 году. А в 2002 году трек "Whispering A Prayer" с этого альбома был номинирован на награду 44'ой церемонии Grammy.

Итак, с пятью номинациями Grammy и одной наградой Grammy за своим поясом, с миллионами проданных пластинок по всему миру, Steve Vai и не показывает вида, чтобы прекращать свой творческий путь. Наоборот, он сейчас занят работой более, чем когда-либо прежде. А мы будем знать, что он усердно работает и ждать от него новых интересных работ.
(по материалам _http://www.guitarstart.net/)
JaP вне форума  
Старый 30.03.2004, 01:13     # 7
JaP
Idol Mod
 
Аватар для JaP
 
Регистрация: 24.03.2004
Сообщения: 337

JaP Известность не заставит себя ждать
Yngwie Malmsteen

Yngwie Malmsteen



Ингви Мальмстин является одним из самых известных в мире гитарных виртуозов, совмещающих высокую скорость игры, техническую безукоризненность и неоклассический стиль с коммерческой музыкой, что позволяет ему не только пользоваться уважением у музыкантов и критиков, но и хорошо продавать выпускаемые один за другим альбомы. Lars Johann Yngwie Lannerback родился 30 июня 1963 года в Стокгольме, Щвеция, в семье военного и актрисы. Как раз в этом же году Битлз потрясли мир своим появлением на музыкальном Олимпе. Тогда еще никто не знал, что ровно через 20 лет худощавый, длинноволосый швед с глазами голодного волчонка устроит революцию в музыкальном мире. Это были года затишья перед музыкальным Армагеддоном февраля 1983 года, когда Ингви приехал в Лос-Анджелес, чтобы навсегда ввергнуть мир в бурю своего гитарного дарования.

Но пока до этого было еще далеко. Ингви (мать решила назвать его так в честь своего бывшего приятеля) был младшим ребенком в семье, у него была сестра Ann Louise и брат Bjorn. Почти что сразу же после рождения Ингви родители развелись. Ингви рос довольно диковатым и неуправляемым ребенком, казалось, что его силы просто неиссякаемы. Первые музыкальные потуги оказались тщетными. Пианино и труба его не интересовали. Да и акустическая гитара, которую его мать купила ему в 5-летнем возрасте висела на стене под слоем пыли. Так было до 18 сентября 1970 года, когда Ингви увидел специальный репортаж, посвященный смерти Джими Хендрикса. Что-то перевернулось внутри у Ингви, когда он смотрел, как Джими нежно обнимает свою гитару и в следующий же момент ввергает ее в языки пламени. В 10 лет он меняет свою фамилию на девичью фамилию матери Malmsteen. Он музицирует дни и ночи напролет, что естественно отразилось на его успеваемости в школе, которую он, можно сказать, забросил. В школе он появлялся исключительно, чтобы поучаствовать в драках с теми, кто вел себя глупо по его мнению. Единственными предметами, которые он посещал с удовольствием, были английский и история искусств. Его мать быстро распознала необыкновенные способности своего сына и разрешила полностью сосредоточиться на музыке. Кроме Хендрикса в Ингви проснулся интерес к творчеству скрипача-виртуоза 18 века Николо Паганини. Он по несколько раз просматривал запись русского виолончелиста Гидеона Кремера, который исполняет 24 каприс Паганини. Это дало ему ключ к секрету как сочетать тягу к классической музыке, талант гитариста и внутреннюю харизму.

В 1976 году он организовал свою первую группу "Powerhouse", а два года спустя собрал с друзьями новый проект Rising Force,. Название группы возникло под влиянием второго альбома Rainbow "Rainbow Rising". Вместе с Rising Force он записал первые демо; к сожалению, диск так и не вышел в свет, но одна из демо-записей была услышана Майком Уорни, продюсером и специалистом по гитарной игре.

По настоянию Уорни Мальмстин переехал в Лос-Анджелес, где стал лидер-гитаристом в группе Steeler. Однако группа оказалась непрочной и после выхода одноименного дебютного альбома группа дала несколько концертов и развалилась.

Технические возможности Ингви не остались незамеченными и он получил приглашения в Kiss, UFO и к Ozzy Osbourne, однако сумел побороть в себе искушение присоединиться к столь именитым коллективам и предпочел войти в состав Alcatrazz к Graham Bonnet'у. В этом составе Ингви записал два альбома, один концертник в Японии и один студийный.

После ухода из Alcatrazz Мальмстин получил приглашение начать сольную карьеру от фирмы Polydor Records, благо его популярность после работы в Alcatrazz уже можно было брать в расчет. Мальмстин записал альбом "Rising Force"; для работы над альбомом были привлечены бывший барабанщик Jethro Tull Barriemore Barlow, вокалист Jeff Scott Soto и клавишник Jens Johansson. На альбоме были представлены как новые синглы, так и композиции с ранних демо-записей.

Еще не успев выйти первый альбом Ингви "Rising Force" становится библией неоклассики. Он занимает 60 место в хит-параде журнала Вillboard, получает Грэмми за лучший инструментальный рок-альбом. Сам же Ингви становится "Открытием года" в ряде изданий , а затем и Гитаристом года, после провозглашения альбома "Rising Force" Альбомом года. В 1985 году появляется альбом "Marching Out", в ноябре Ингви отправляется в американское турне. Рок-пресса называет его гитарным гением и в течении двух следующих лет он был лучшим гитаристом в мире по опросу журнала "Guitar Player".

Но настоящий коммерческий успех пришел к Ингви в 1986 году с альбомом "Trilogy". К тому времени в группе уже пел другой солист Mark Boals из Ted Nugent. Альбом "Trilogy" получил очень широкое признание. Гитарная техника Мальмстина теперь активно разбавлялась коммерческими хард-роковыми композициями, что публику вполне устраивало. Альбом достиг сороковой позиции в Billboard США. Многие отмечают и на редкость качественные тексты, которые являются прекрасным дополнением к ураганным рифам Ингви.

Однако находясь на вершине славы, Ингви не избежал своеобразного спуска на землю. 18 месяцев он не мог играть, т.к. буквально накануне своего дня рождения 22 июня 1987 года его Ягуар на полном ходу влетел в дерево. В результате Ингви пролежал в коме почти неделю и когда пришел в себя, то с ужасом узнал, что из-за травмы головы, образовался тромб, который давит на нерв, идущий к правой руке, а это означало его конец, как гитариста. Почти полтора года нечеловеческих усилий потребовалось, чтобы вернуться в мир музыки и тут его подстерегает еще один удар. Он узнает, что на родине в Швеции умерла от рака его мать, и это еще был не конец, его менеджер присвоил его денежки, и Ингви остался один на один со своей болью, без денег и в неопределенности будущего. Единственным его спасением стала музыка, и он вернулся, вернулся с новым альбомом "Odyssey". Ингви потом скажет, что не считает его удачным, но именно это альбом так полюбился его фэнам. Альбом мгновенно приобретает золотой статус в США. Видео "Heaven Tonight" не сходит с экранов телевизоров.

Надо сказать, что во многом успех альбома зависел и от нового солиста (ex-Rainbow) Joe Lynn Turner. Ингви отправляется в турне, число фэнов Ингви во всем мире увеличивается.
(мат. yngwie.plex.ru)
JaP вне форума  
Старый 30.03.2004, 01:22     # 8
jedi фукoff
Местный
 
Регистрация: 26.08.2003
Сообщения: 1 961

jedi фукoff Имеются все основания чтобы гордиться собойjedi фукoff Имеются все основания чтобы гордиться собойjedi фукoff Имеются все основания чтобы гордиться собойjedi фукoff Имеются все основания чтобы гордиться собойjedi фукoff Имеются все основания чтобы гордиться собойjedi фукoff Имеются все основания чтобы гордиться собой
у меня до сих пор в и н и л о в а я "Trilogy" имеется
__________________
Щ щ, Ъ ъ, Э э - буквы, которых нам не хватает...
jedi фукoff вне форума  
Старый 30.03.2004, 02:43     # 9
JaP
Idol Mod
 
Аватар для JaP
 
Регистрация: 24.03.2004
Сообщения: 337

JaP Известность не заставит себя ждать
Eric Johnson

Eric Johnson



Eric Johnson родился 17 августа 1954 года в Saint David's Hospital города Austin. Будучи самым молодым из пяти детей - трех сестер и одного брата - ему уже в возрасте трех лет стала известна через его отца страстная любовь к классике и джазу. "Он постоянно слушал записи", - говорит Johnson о своем отце, анестезиологе на пенсии, живущем сейчас в Houston, "Он также любил все остальные стили музыки. В то время когда Elvis стал наиболее известным, он купил мне его запись. Музыку любили оба моих родителя, поэтому они пытались побудить нас брать частные уроки игры на пианино." Уроки на пианино были наихудшей трагедией, которая могла случиться с любым неугомонным ребенком, но не для Johnson, который начал обучаться в возрасте пяти лет. Он хотел начать заниматься еще двумя годами раньше, но тогда по его словам он еще не мог достаточно сконцентрироваться. В промежутке между уроками музыки и постоянными семейными выездами на пикник (в основном с целью посмотреть мюзиклы такие, как South Pacific, Oklahoma и The Sound of Music) постепенно сформировывалось музыкальное воспитание Johnson. И уже в возрасте восьми лет он начал писать свои первые песни.

"Занятия с учителем способствовали развитию моего слуха", - говорит Johnson, "Ты мог сидеть где-то, где не мог видеть клавиш пианино, а она брала ноту и спрашивала, - 'Что за нота это была?'. Я всегда думал, что это была просто веселая игра, но сейчас я осознаю, что она пыталась развить нас до максимума, чтобы мы могли узнавать ноты - что развивало тебя как музыканта. Это своеобразный музыкальный алфавит, с помощью которого ты можешь размышлять о своей собственной музыке, исключаю ту зависимость, которой наделяется человек, когда перед ним ставят ноты." Когда Johnson начал исполнять свои "немножко нелепые" мелодии, он получал сплошное воодушевление. Eric благодарит своего учителя Orville Wyss в комментариях к "Ah Via Musicom". И он вспоминает об этом каждый раз, когда начинает импровизировать.

Сегодня, впрочем, с благодарностью за способность играть с помощью своего слуха, он сожалеет, что в свое время не выучился хорошо читать ноты с листа, поэтому тогда ему приходилось бороться с этим изобилием классической музыки. Вместо того чтобы сидеть и учиться играть концерт Mozart на пианино, Johnson необходимо было разучивать текст нота за нотой, или же покупать CD. Тогда у него была еще небольшая проблема с различением аккордов, когда он разбирал все тот же концерт Mozart. "Прямо тут был G-major, и это был B-flat, и G-7", - говорит он ворча, "Несомненно, ноты имеют определенные окраски, ты можешь ухватить это и услышать ноту. И когда ты пытаешься услышать обращение до того, как уловишь сокровенную мелодию, ты слышишь цельную структуру и архитектуру. Но ты должен работать над этим. И я работаю над этим."

Но в возрасте десяти лет работа над классическими сонатами начала становиться для него скучной, в то время как импровизация, наоборот, казалась более увлекательной. В один день, возвращаясь домой, он наткнулся на брата, который также джемовал со своей группой - только они играли на гитарах. Это было в 1964 году - во времена, когда ничего не было круче Beach Boys и Ventures. Когда молодой Johnson услышал как играет брат и его группа, имитируя звенящий, тяжелый и мощный звук Ventures, он был ошарашен.

"Думаю я знаю тот момент, когда я впервые услышал звук электрогитары", - говорит Johnson о том дне - дне, когда он решил, что хочет играть на гитаре. "Nokie Edwards и Ventures были для меня первоначальным стимулом, что было немного прежде Yardbirds и Clapton, и уж тем более, если разговаривать о Beatles и Rolling Stones. Я люблю Beatles и Brian Jones, но моя игра была больше похожа на бренчание, и мне необходима была электрогитара."

На следующий год Johnson получил свою первую гитару, и как для многих гитаристов прошло много времени до того, как что-либо стало получаться. Он как идеалист кончил брать уроки игры на пианино, и теперь домашние занятия музыкой превратились в игру на гитаре без остановки. В тринадцать лет он вступил в свою первую группу - The Id (по аналогии с "I didn't even know what that word meant" - Я так и не понял что означает это слово), но вскоре его выкинули после того, как вместе с семьей Johnson провел долгие каникулы в Alaska и, вернувшись домой, обнаружил, что его место ритм-гитариста было занято. Он был подавлен этим, но вскоре понял, что его талант очень ценен у многих, и поэтому в дальнейшем по собственной воле поменял несколько групп.

"Я был сдержанным по отношению к этому", - говорит Johnson, принимая во внимание свой талант в тот период, "Я был ценен для групп, в которых я играл, хотя я и околачивался с парнями старше меня. Они говорили, вроде того, - 'Почему мы должны играть с этим сопляком, которому только тринадцать лет?', и они в какой-то мере были правы. Я помню себя в тринадцать, четырнадцать лет: как я засыпал прямо на оборудовании, так как время было в районе часа ночи. Я посвящал музыке столько времени, что это отделяло меня от школьных дел и прочих вещей."

Оглядываясь в прошлое, Johnson говорит, что инструмент заменял ему множество обычных вещей, которые присущи детству обыкновенного ребенка. Но, возвращаясь в настоящее, стоит сказать, что 1967 не был простым годом для Eric, когда можно было выбрать между обычными детскими играми и дискотеками в школе - особенно если ты имеешь огромный интерес ко всему, что касается электрогитары. В 1967 году Jimi Hendrix записал свой дебютный альбом "Are You Experienced?"


Оказанное музыкальное влияние

Подобно Stevie Ray Vaughan (также родившимся в 1954 году), Joe Satriani и Steve Vai, Johnson незамедлительно стал неотъемлемой частью того поколения гитаристов, которое только начинало изучать шестиструнный язык (в то время как Hendrix уже во всю блистал), и в течение трех лет полностью понял язык своего инструмента. "Когда я впервые услышал его, я не мог понять это", - говорит Johnson c глубоким почтением к Hendrix, "Я полагаю, что это было определенно странно. Я мог сказать, что он играл классно, но это было слишком сложно для меня. Я не мог осознать его музыку - это было слишком невероятно. И только потом, спустя месяцы, я начал вникать в суть, и это было что-то!"

Сначала Johnson даже не пытался играть новые для него песни Hendrix. Он только слушал. Интриговало Eric то, что сколько бы нот и аккордов из песен Hendrix он не играл, это слишком отличалось от настоящей игры Jimi. "И постепенно я осознавал то, как он играет", - подчеркивает Johnson, "Я мог сыграть часть 'Purple Haze', но я никак не мог добиться такого же звучания."

Ясно осознается тот факт, что Johnson и Vaughan две стороны одной монеты феерического явления Hendrix - видно это из успокаивающей песни "Little Wing", сыгранной Johnson и жестокой "Voodoo Chile", переродившейся в руках Vaughan. "Я всегда любил ритм и блюз игру Steve", - говорит Johnson о Vaughan, с которым он играл немного в семидесятых. "Моя девушка и он были лучшими моими друзьями в то время", - вспоминает Eric, "Steve обладал той же энергией, что и Hendrix. Но с другой стороны в нем было что-то поэтическое, и еще эти трогательные гитарные соло: В общем в нем было очень много от Hendrix." Что же касаемо поэтического, то Johnson пытался уловить это сокровенное в каждой сыгранной им фразе. Он впитал в себя тот колорит, которым обладал музыкальный шедевр Hendrix - но, конечно же, он не только позаимствовал немножко от его стиля, но и нашел что-то свое персональное.

В течение второй половины шестидесятых и в начале следующего десятилетия Johnson не отсиживался дома, слушая записи блюзовых маэстро, а проводил много времени в клубах, наблюдая за игрой таких святил музыки, как Freddie King и Johnny Winter. Он побывал в таких клубах города Austin, как Jade Room, Vulcan Gas Company, New Orleans Club и его любимом Armadillo. Эти шоу были для него нечто большим, чем просто концерты, привлекающие его внимание. Ведь появление Johnny Richardson из Georgetown Medical Band, Tim Mings из New Atlantis, John Staehaley из Chain Gang, Pumpkin и Shepard's Bush было обычным делом для посетителей этих клубов.
Что же говоря о дальнейшем творчестве Eric Johnson, то он стал все больше и больше экспериментировать с инструментальной музыкой. Чему в основном способствовало влияние музыки Jeff Beck, а также его личное знакомство с Vince Mariani - местным музыкантом, который в дальнейшем стал настоящим наставником Johnson и с которым он проработал на протяжении достаточно большой части своей карьеры. Mariani познакомил его публике, вдохновил его на написание альбома. А также является соавтором Johnson по треку "Desert Rose" к альбому "Ah Via Musicom", который, кстати, он спонсировал.
JaP вне форума  
Старый 30.03.2004, 04:49     # 10
JaP
Idol Mod
 
Аватар для JaP
 
Регистрация: 24.03.2004
Сообщения: 337

JaP Известность не заставит себя ждать
Джон Петруччи/ John Petrucci



Это случилось 12 июля 1967 года - именно в тот день родился Джон Петручи (John Petrucci). Произошло это на острове Лонг-Айленд, что находится в штате Нью-Йорк. Как и многие ныне известные музыканты, Джон родился в музыкальной семье, но все же никто из его родителей не играл на музыкальных инструментах; истинными музыкантами в этой семье были только дети. Так, например, его старшая сестра играла на пианино и органе, его брат был помешан на бас-гитаре, а младшая сестренка училась играть на кларнете. Под влиянием всей своей родни Джон постепенно начал проявлять интерес к музыке, и основная причина, как говорит он сам, по которой он решил выбрать игру на гитаре, заключалась в том, что почти каждый ребенок, живший с ним по соседству, побренькивал на гитаре. Но Джону показалось это лишь детской забавой, и чтобы развить свои пальцы и голову, он стал брать уроки игры на гитаре. Тогда ему было всего двенадцать лет.

Парень быстро рос, его интерес к музыке преобладал над всеми делами, которые могли быть у ребенка. Вместо того, чтобы играть с соседской детворой, он просиживал штаны у себя в комнате, постоянно играя на гитаре. Его музыкальное образование началось с уроков по теории музыки в школе, в которой, кстати, учились также Джон Мьюнг (John Myung) и Кевин Мур (Kevin Moore).

Трудно сказать почему, но из всей музыки, которая в те годы была модна, Джона заинтересовал именно метал. Возможно на него так сильно повлияли Ингви Мальмстин (Yngwie Malmsteen), Рэнди Роудз (Randy Rhoads) и группа Iron Maiden. Тогда как на него подействовала музыка Стиви Рей Воэна (Stevie Ray Vaughan) и группы Yes? Продолжая изучение музыки и все глубже погружаясь в мир хэви-метала и трэша, он открывал для себя все новые и новые группы - Metallica и Queensryche. Не за горами было увлечение арт-роком, ярчайшими его представителями - группами Rush, ELP, King Crimson и Genesis.

Необходимость в развитии собственной техники и мелодического стиля познакомила его с неведомыми ранее для него музыкантами. Стивы: Стив Морс (Steve Morse) и Стив Вай (Steve Vai), Алы: Алан Холдсворф (Allan Holdsworth) и Ал Ди Меола (Al Di Meola), а также Майк Штерн (Mike Stern), Джо Сатриани (Joe Satriani), Нил Шон (Neal Schon) и Эдди Ван Хален (Eddie Van Halen) - все они стали для него новыми кумирами. У каждого он чему-то научился; каждому, наверняка, многим благодарен; с некоторыми на нынешний день уже успел поработать в коллективе.

Будучи человеком упорным и желающим узнать как можно больше нового, Петручи в 1985 году поступил в музыкальный колледж Беркли в Бостоне, где изучал приемы джазовой композиции и гармонии. Пока Петручи учился в Беркли вместе с Джоном Мьюнгом, который поступил туда вслед за своим другом на отделение бас-гитары, он познакомился с Майком Портным (Mike Portnoy) - барабанщиком-виртуозом. Все трое решили создать группу, назвав ее сперва "Majesty", которая позже стала носить имя "Dream Theater". Но для того, чтобы направлять все свое время на работу с группой, Джону пришлось бросить музыкальной колледж так его и не окончив.

На сегодняшний день парни записали целых более десятка альбомов, которые считаются чуть ли не эталоном настоящей прогрессивной рок музыки. Лично Джон Петручи успел поработать и в других коллективах, включая "Liquid Tension Experiment" - инструментальный проект, созданный в схожем составе, по сравнению с основной группой, но представляющий собой другую грань прогрессива. Начав играть на шестиструнном инструменте, Джон на альбоме Dream Theater "Awake" играл уже на семиструнной гитаре, что добавило в итак уже насыщенную музыку еще большего контраста, но что никак не уменьшило ее занимательности и оригинальности. На новом альбоме "Six Degrees Of Inner Turbulence" Джон дошел до того, что одну из песен сыграл на гибриде гитары и бас-гитары. А как же иначе, разве возможен прогресс без экспериментов и новшеств?

В ноябре 2003 года Dream Theater выпустили последний альбом "Train Of Thought" , отличающийся от всех предыдущих по стилю музыки характерной металлической окраской. Как и было задумано, получился релиз а ля "Металлика".
В роли продюсеров выступили Джон Петручи и Майк Портной.




В спокойные дни Джон, не обремененный концертами и записыванием альбомов, сидит в подвале своего дома (распложен он в городе Нью-Йорк), где у него оборудована личная музыкальная студия, и много сочиняет, пишет и играет. В этом доме он живет со своей семьей: с женой Реной (Rena) и тремя детьми - Самиджо (SamiJo), Рени (Reny) и Киарой (Kiara). С ними он проводит все свое свободное время.
(мат. guitarplayer.ru)

Дискография Dream Theater



Студийные альбомы :

Train Of Thought (2003)
Six Degrees Of Inner Turbulence (2002)
Scenes From A Memory (1999)
Falling Into Infinity (1997)
A Change Of Seasons (1995)
Awake (1994)
Images And Words (1992)
When Dream And Day Unite (1989)

Live-альбомы :

Live Scenes From New York (2001)
Once In A LIVEtime (1998)
Live At The Marquee (1993)

CD синглы :

Through Her Eyes (2000)
Hollow Years (1997)
The Silent Man (1994)
Lie (1994)
Another Day (1992)

Официальные бутлеги :

Master Of Puppets (2004)
Tokyo, Japan 10/28/95 (2004)
WDADU Demos 1987-1989 (2004)
The Making Of Scenes From A Memory (2003)
Los Angeles, California 5/18/98 (2003)
The Majesty Demos 1985-1986 (2003)

Дискография других проектов

OSI - Office of Strategic Influence (2003)
Jordan Rudess - 4NYC (2002)
Speedway Blvd. (Переиздание, 2002)
The Jelly Jam - The Jelly Jam (2002)
Jordan Rudess - Feeding The Wheel (2001)
TransAtlantic - Bridge Across Forever (2001)
James LaBrie's Mullmuzzler 2 (2001)
RMP - The Official Bootleg (2001)
Rudess Morgenstein Project (1999)
TransAtlantic - Live In America (2CD, 2001)
John Petrucci And Jordan Rudess (2000)
TransAtlantic - SMPTe (2000)
Platypus - Ice Cycles (2000)
Mullmuzzler - Keep It To Yourself (1999)
Liquid Tension Experiment 2 (1999)
Liquid Tension Experiment (1998)
Platypus - When Pus Comes To Shove (1998)
Jordan Rudess - Listen (1993)
Winter Rose - Winter Rose (1989)

Дискография сайд-проектов

Frameshift - Unweaving The Rainbow (2003)
Neal Morse - Testimony (2003)
The Transatlantic Demos (2003)
John Arch - Twist Of Fate (2003)
Explorers Club - Raising The Mammoth (2002)
David Bowie - Heathen (2002)
Leonardo - The Absolute Man (2001)
Encores, Legends & Paradox (1999)
Gordian Knot - Gordian Knot (1999)
Explorers Club - Age Of Impact (1998)
Shadow Gallery - Tyranny (1998)
Dragon Attack - A Tribute To Queen (1997)
Steinway To Heaven (1996)
Noirin Ni Riain - Celtic Soul (1996)
Working Man - Rush Tribute (1996)
Vinnie Moore - Time Odyssey (1988)
Various Artists - Guitar Battle


Видеография Dream Theater


Видео с live-концертами :

Metropolis 2000: Scenes From New York (2001)
TransAtlantic Live In America Video (2001)
5 Years In A LIVEtime (1998)
Images and Words - Live in Tokyo (1993)

Видеошколы :

John Petrucci - Rock Discipline (DVD, 2002)
Mike Portnoy - Liquid Drum Theater (DVD, 2001)
Jordan Rudess - Keyboard Wizardry (1999)
Mike Portnoy - Liquid Drum Theater (VHS, 1999)
Mike Portnoy - Progressive Drum Concepts (1996)
John Petrucci - Rock Discipline (1996)
John Myung - Progressive Bass Concepts (1996)

Книги Dream Theater

Six Degrees Of Inner Turbulence
Dream Theater Full Score Anthology
Mike Portnoy's Anthology Volume 1
John Petrucci's Wild Stringdom
John Petrucci's Rock Discipline
Scenes from a Memory
Falling Into Infinity
Awake
Images And Words
JaP вне форума  


Здесь присутствуют: 1 (пользователей - 0 , гостей - 1)
 
Опции темы
Опции просмотра

Ваши права в разделе
Вы НЕ можете создавать новые темы
Вы не можете отвечать в темах.
Вы НЕ можете прикреплять вложения
Вы НЕ можете редактировать свои сообщения

BB код Вкл.
Смайлы Вкл.
[IMG] код Вкл.
HTML код Выкл.
Быстрый переход


Часовой пояс GMT +4, время: 09:27.


Powered by vBulletin® Version 3.7.3
Copyright ©2000 - 2018, Jelsoft Enterprises Ltd.